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STVEN STUCKY讲学笔记(二)

2008年12月16日于中央音乐学院图书馆

        当我在学生时代时,我第一次听到了鲁托斯拉夫斯基的作品,我便感觉到他对我的一生都是最重要的。在1969年,我听了他的《亨利-马肖的三首诗》,从二十世纪的作曲家中,我学到了很多,二十世纪末的作曲家中,对我来说最重要的便是鲁托斯拉夫斯基。我从未作为学生与他学习过,但我认真研习了他的乐谱,并获益匪浅。

        1994年鲁托斯拉夫斯基去世,也许他的音乐并不为大家所熟悉,但我们可以从其中学到很多重要的东西:第一点,我们怎样能够吸取并保持这些古典的原则,并同时富有创新意识?第二点,我们怎样能运用现代且有感染力的和声语言?第三,我们如何组织一个严密有力的结构?第四,怎样把严密的逻辑方式和有感情的表达结合?第五,怎样才能在不放弃自身音乐原则的情况下成为一个对社会有贡献的作曲家?

        鲁托斯拉夫斯基的创作年表:

        Early('neo-classic')to 1947

        早期作品里有一些共同点,便是新古典主义的结构和语言,这些作品是调性音乐,你可以从中看到法国和俄国乐派对他的影响,有时他也会用到自己的民族音乐。

        Middle1956-79

        中期作品有两个革命性的改变,第一点便是他创新的运用了十二音和弦,是从他的《五首歌》开始的;第二点是他开始使用随机音乐创作更有戏剧性、更流畅的作品;古典的特征已开始消退,但还可以看到其带来的强烈影响。偶尔注重音乐音响本身。

        Late1979-94

        鲁托斯拉夫斯基保持了自己革新的一面,但他同时也运用了早期音乐的特征,比如对旋律的运用;薄弱的和声预示着三和弦七和弦的运用,采用巴洛克时期音乐的肢体做法;自由即兴做法减少,节拍记号更严格。

        我们可从鲁托斯拉夫斯基的早期音乐中学到不少东西,他身在地主家庭,受到良好的教育,他的家人也有着较高的文化修养,他们的家族看起来是很欧洲化的。波兰是斯拉夫语系国家,与俄国、捷克有着紧密地联系,但当时俄国和德国都长时间对波兰施加压力,因此波兰人更以法国人作为榜样。鲁托弗拉弗斯基从小学说法文,法国对他的影响也体现在他的音乐上,下面这是他21岁时的作品,其中有着明显拉威尔的痕迹,但同时他的老师曾在俄罗斯留学,因此他的旋律也或多或少的带着鲍罗丁的痕迹。

        Piano Sonata,Theme1&2

        我们毫不惊讶,鲁托斯拉夫斯基曾有过出国留学的念头,但却因战乱而未能成行。德国纳粹在战败时彻底摧毁了华沙,因此所有文艺工作者们都希望在战乱后重建自己的文化生活,鲁托斯拉夫斯基在当时写了很多流行乐曲。但在1949年,当波兰政府严格控制艺术走向时,情况变得非常困难,政府大致也受到了斯大林政策的影响,要求作曲者们采用简单的旋律和更多的民族因素。实际上,波兰是一个艺术革新的国家,鲁托斯拉夫斯基也一样,他的许多作品在当时被禁演,他必须既保持自己对艺术的追求,也要在高压的政策下生活。他的《乐队协奏曲》写于1950-1954年,其中运用了很多民族音乐,却经过了大量的改变和重组,以至于非波兰人甚至根本无法辨别。

        鲁托斯拉夫斯基并不是非常喜欢他那些在政治压力下写成的曲子,另一方面的原因,他对自己的作曲技术也非常不满,感到自己无法写出自己所希望的方式。慢慢的,政治环境开始改变,他也逐渐可以写自己所喜欢的曲子了。与巴托克不同,民族音乐并不是它真正喜爱的元素,只是迫于政治原因不得不如此。在写民族性音乐的同时,他也在进行着自己的创作。他花费很多年去走自己创作的“第二条道路”——寻找自己个人的和声语言。第一个创作出的成果便是他1957年创作的《五首歌》。

        Five Songs No.1,"The Sea"
        Five Songs No.2,"The Wind"

        当你用全部十二音来构成和弦时,你要非常严格的控制它的音程,这其中分为几个类型,例如三全音、纯四和纯五度,这声音听上去很冷;还有一种是全部二度的,这种听上去很暖;但最温暖的还是大量的三度和弦。大量不同音程的混合形成浑浊的声音。鲁托斯拉夫斯基便创造了这样一个由暖到冷的世界。

        鲁托斯拉夫斯基的曲子一般分为两部分,第一乐章勾起听众的兴趣,但却无法满足。典型的例子便是他1964年所写的《弦乐四重奏》。

        第一乐章“介绍”有八分钟,第二乐章是主乐章,有十四分钟,第一乐章的目的是为了勾起听众的兴趣,却使听众无法满足。第一乐章共有十三个段落,我们现在来其中的五个小段,并思考为什么我们会认为第一乐章仅仅是“介绍性的”。

        我们发现,这段曲子的每一个段落都很有趣,但持续性很短,没有一些连贯、发展的东西,因此我们无法满足,需要一些更实在的声音。在那时,鲁托斯拉夫斯基仿佛变成了一个浪费时间的高手,这个方式和海顿的吊人胃口也很相近。要知道,对鲁托斯拉夫斯基影响最大的两位作曲家就是贝多芬和海顿。现在,我们来听一下主乐章第一分钟的音乐,这一分钟的音乐可以被描述成是非常交响化的片断。

        我不知道这些乐器在说什么,但我能肯定那是一些很重要的东西,鲁托斯拉夫斯基没有使用小节线,以便在音乐中创造一种较为自由的织体。所以和第一乐章不同,主乐章中穿插了非常交响化的内容,并由此导向了强烈的高潮,这是整部作品的一个中心,即使在谱面上,这种高潮强烈的宣泄也可以表现出来。整个音乐的布局是一个很大的下行线,效果非常动人。

        这是一个很好的例子,用有限的自由去进行音乐创作达到了很好的效果。这是一种有拘束的、节奏上的自由,尽管由于演奏者的不同而各有区别,但听起来还是相同的音乐。演奏家并不可以改变这个曲子,而是通过自己的方式把曲子表现出来,但根本的东西并不改变。

        最后一首曲子,是在鲁托斯拉夫斯基完成《乐队协奏曲》12年后写成的,他的作曲技法已经趋于成熟化,这首曲子的名字叫《mi parti》,是1976年写成的。尽管是一个乐章的曲子,但从曲式上看,它还是分为两个部分,而且非常有效果。曲子的名字《mi parti》是法文里代表两个不平均的部分,第一部分是一系列的乐句,包括弦乐奏出的和声性的背景,前景是木管乐队奏出的多声部织体,这两部分在做一个对话。所有音乐材料都是建立在八个和弦上,每一个和弦有12个音。我们可以看到,这八个和弦的声部进行是非常平和的,这里面有很多的共同音。声部进行不但平稳,高音线条也非常好,都是仔细计划过的。八个和弦为一组,最后一个和弦的结构导致了和弦从新的开始,但却是开始和弦的小二度模进,因此在进行12组后,我们得到了96个和弦。每一个乐句都试图达到高潮,但却都被停止下来,这推动着和弦继续向前走,却又让人不能满足。由于听众相信他们终究会得到满足,因此一直期待着,这个悬念也被留到了最后。我们会听到弦乐来引出和声,它会越来越多,一点点被发展出来。然后我们会听到独奏的木管乐器一件件出现:低音黑管,圆号,黑管,双簧管,最后是长笛。这听起来是非常美的音乐,但它只是飘了过去,在新的素材出现之前,它还会再向前走两次。所以这是在一个乐章当中,非常细致的例子。首先是一些不完整的东西被呈示出来,然后才是完整的。

        它是一首很好的曲子,通过它,我们可以看见在鲁托斯拉夫斯基的音乐中另外两件重要的东西:第一是他对12音序列的运用,这些序列只是用两个音程,就制造出了非常透彻、干净的声音。第一个序列是增四与小二度,第二个序列主要是大二度与纯五度,与前面的增四度与小二度形成一个鲜明的对比。经过移位、模进等手法,可以以此类推做出很多序列。在这首曲子中有一个特别的序列,它只有九个音与小三、大二两个音程,之后又做一个新的移位,不停以大二度模进向前。

        在曲子的第二部分,铜管乐队不断把曲子切断,这是鲁托斯拉夫斯基常用的手段,他把铜管乐队作为“侵略者”,但音乐材料依旧是从序列中出来的。下面,就让我们来听一下这首曲子。

        尽管有多次“侵入”,但用得都是相同的材料,你们应该能听出其中的音程,但鲁托斯拉夫斯基的配器使它仿佛踩了弱音踏板,所以旋律中的声音成为了和声的一部分。

        最后要讲的,便是“cantiliena”,这是对鲁托斯拉夫斯基来说,非常特别的一种风格。所有的乐器来唱一个单线条,但节奏是错开的,所有的小线条聚集在一起,形成了一个大线条,他称之为“音束”。因为这种技法有着歌唱性的特质,因此它被常用于弦乐写作,但偶尔也用于铜管和木管乐写作。在他的很多作品中,这种技法常常在他作曲的高潮中出现。在刚刚的曲子中,这种技法在它的尾声出现,由12个独奏小提琴奏出,主题建筑在相同的音乐材料上。我非常喜欢这种做法,前面的九个音看似是打断音乐的侵入者,但却成为了构成音乐的主要材料。

        在1979年后,旋律在鲁托斯拉夫斯基作品中的地位更加重要,但如果要谈论鲁托斯拉夫斯基的晚期作品,或许还需要几个小时的时间。所以我们今天就在此结束这个讲座,让我们通过他的曲子了解这个二十世纪作曲大师对音乐的追求,谢谢大家。

 

发布日期: 2019-09-19 15:08:56 来源: 中央音乐学院 作者: 中央音乐学院

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